PABLO VALBUENA

Podríamos entender la sombra producida por el sol como la más primitiva forma de proyección que conocemos, y los relojes solares en Egipto o en Grecia como el origen de la proyección controlada. Con la aparición de fuentes de luz artificiales se empieza a desarrollar también el control de estás proyecciones, como ocurre en el teatro de sombras chino o en las fantasmagorías de los ilusionistas. En la historia reciente, el control de las fuentes de luz artificiales y su vinculación con la fotografía y posteriormente con el cine y la imagen en movimiento, han dado lugar a una multiplicación de las posibilidades que ofrecen los sistemas de proyección. Estas van desde la utilización de la luz como materia hasta la proyección de imagen en movimiento sobre superficies varias; edificios pantalla, investigaciones físicas sobre las cualidades de la luz o maneras de alterar la percepción visual a través del control lumínico.

Pablo Valbuena (Madrid, 1978) ha comenzado un periplo que le ha llevado a exponer en Singapur, Canadá, y en la pasada edición de ARCO. Su vinculación con Medialab Prado continúa en el grupo de investigación sobre luz, espacio y percepción que ha creado junto a Daniel Canogar y Julian Oliver.
Pablo Valbuena es uno de los más firmes valores del arte de hoy. Su trabajo se puede ver ahora en el exterior del Medialab, en la madrileña Plaza de las Letras, en una intervención titulada Entramado-Plaza de luz, una proyección de luz en movimiento que dialoga con la arquitectura del lugar.

Al oscurecer, tres proyectores bañan la plaza en una intensa luz blanca que marca sobre el espacio los perfiles y siluetas de su arquitectura. El pavimento, los árboles y sobre todo los bancos parecen haberse desmaterializado, porque lo que vemos frente a nosotros se parece mucho más a un gráfico por ordenador en blanco y negro y de baja resolución que a un espacio urbano. Si nos quedamos al menos un minuto, veremos cómo la luz continúa transformando el mobiliario, haciendo que los bancos parezcan a veces transparentes, y otras sólidos. Es como si la plaza se hubiese transformado en una simulación de sí misma dentro de un programa de diseño asistido por ordenador, la herramienta en la que los arquitectos conciben hoy las ciudades y edificios. José Luis DE VICENTE

Selección de obras

NORMAN ROCKWELL

Norman Percevel Rockwell (1894; Nueva York–1978, Stockbridge) ilustrador, fotógrafo y pintor norteamericano célebre por sus imágenes llenas de ironía y humor. A los quince años, abandona definitivamente los estudios para ir a la National Academy School, donde hacía copias de vaciados en yeso, costumbre propia de muchos artistas del siglo XIX, a modo de aprendizaje. En 1910, Rockwell se trasladó a la Art Students League, donde aprendió anatomía e ilustración, perfeccionando sus conocimientos previos, con maestros como George Bridgman o Thomas Fogarty. Su carrera se ve inmortalizada por su empleo como ilustrador oficial del Saturday Evening Post, una revista de actualidad y sociedad; su primera portada data de 1916; Norman Rockwell trabajó para esta revista hasta 1963. Sus portadas, anuncios, ilustraciones y demás publicidad han sido repetidas e imitadas hasta la saciedad, símbolo del típico ilustrador virtuoso norteamericano: hizo publicidad para McDonald´s o Coca-cola, cereales, chicles, neumáticos, etc.

Rockwell profundizó en un tipo de representaciones que cada vez ganaron mayor significación en su obra global, como los dedicados a la crítica social o a ensalzar ciertos valores o virtudes del pueblo norteamericano y de la raza humana en general. Algunos de sus trabajos respiraban cierto aire patriótico, valor por entonces tenido muy en cuenta debido a la entrada de Estados Unidos en la guerra, como sucede con "La lealtad del Boy Scout" (1942). De esta convulsa época destaca su serie "Libertad", formada por varios cuadros: "Libertad de la necesidad", de 1943, que representa a una familia reunida en torno a una mesa el día de Acción de Gracias, "Libertad de expresión", del mismo año, "Libertad del miedo" y por último, "Libertad de culto", considerada por muchos su obra maestra, plena en emoción, detalles y solemnidad.

A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell recuperó su punto mordaz y crítico con la sociedad: los cambios políticos que entonces sufrió norteamérica, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la envestidura del presidente Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad, la integración y sobre todo, la defensa del débil y el apoyo a los negros perseguidos o insultados: de este período destacan obras impactantes como "El problema con el que convivimos todos", de 1964, donde representa con delicada intensidad a una niña negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos; o el magnífico lienzo "La regla de oro", de 1961, donde queda patente su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.

Selección de obras

"Libertad de culto"

"Libertad del miedo"

"Libertad de expresión"

"El problema con el que convivimos todos"

BOA MISTURA

Grupo multidisciplinar compuesto por cinco artistas cuya fuente de inspiración y medio de comunicación principal es el grafitti. Murales, diseño gráfico y colaboraciones con arquitectos son otras de las actividadades de este grupo.

Se trata de un colectivo madrileño formado por cinco jóvenes artistas urbanos que han crecido en el mundo del graffiti callejero y han evolucionado su estilo hasta ser contratados por empresas y entidades para decorar sus fachadas o locales.

Selección de obras

JOAN SEMMEL

Una pintura es un objeto contemplativo

que permanece y mantiene la atención

durante un periodo de tiempo,

no un objeto que se mueve y se marcha

en un momento. Revela el proceso de

su realización y las capas de tiempo

transcurrido para hacerlo. A través del

proceso de pintar, a través de cambios de

énfasis y refinamientos intencionales,

el significado e implicaciones de las imágenes se vuelven más intensos.

Joan Semmel

Las pinturas de Joan Semmel nos muestran una forma audaz, casi descarada, de tratar la figura humana y en particular la femenina, bajo las formas más características del expresionismo y de la abstracción. Su pintura es figurativa y resulta fuertemente erótica. Se centra esencialmente en el desnudo femenino, desde un punto de vista que, según los críticos, parece exclusivo de una mujer.
En sus lienzos el espacio aparece ocupado por cuerpos o mejor por fragmentos de cuerpos que son la propia superficie de la pintura. Los cuerpos aparecen totalmente implicados (ocupados) en su existencia sexual y física. Los cuerpos forman un lugar psicológico. Los cuerpos definen el ambiente y son a la vez definidos por el ambiente (espacio).
Cada cuadro nos muestra la intimidad entre cuerpo y lugar o situación de forma extraordinaria, borrando la distancia que la gente parece necesitar para ciertos actos y ciertos momentos de su vida íntima. Se trata de formas humanas o casi humanas, completas o en fragmentos que a medida que se las mira van adquiriendo fuerza, y a medida que se hacen más poderosas, se vuelve también más vulnerables, más humanas.

Las figuras, aunque estáticas, parecen moverse, o querer moverse, personalmente tengo la sensación de que están en acción.
En lo que respecta al color utiliza blancos, azules, grises, amarillos, ocres y puntualmente el rojo, dando con ellos sensación de vida, de movimiento. Sin embargo, podemos comprobar que en muchos casos el color aplicado está lejos de corresponderse con un color propio de la forma real a la que se aplica (cuerpos totalmente verdes, amarillos, etc.)
Las figuras aparecen como encerrados en un ambiente concreto. Las sombras de estas figuras y su presencia en un espacio abstracto parecen hacer de su existencia algo aparte. Se presenta un grado notable de intimidad entre las figuras objeto de cada pintura. Esa intimidad es presentada con descaro, sin prejuicios. Sentimos como podemos participar en la experiencia de cuerpos y vidas ajenos, sin pudor. El espectador actúa como un auténtico mirón. Se consigue una complicidad del espectador en su papel absolutamente pasivo.

A comienzos de los años 70, con el feminismo, Semmel va a encontrar su camino hacia el mundo del arte. Comenzó pintándose a sí misma y a su amante. Fotografió sus cuerpos en posición supina desde su propio punto de vista. Ella fue, entre otras cosas, desafiando las convenciones de la belleza femenina, que a lo largo de la historia ha estado sujeta al control de la subjetividad masculina. Su trabajo no pasó a formar parte inmediatamente del canon feminista en los años 70, la razón puede haber sido porque su trabajo era más personal que polémico. Mucho del feminismo radical de la época trata de evitar la pintura en sí misma por considerarla un bastión masculino, al igual que muchos marxistas consideran que se trata intrínsecamente de una actividad burguesa y, por tanto, antiprogresista.

Selección de obras

CONSTANTIN BRANCUSI

“La escultura transmite
un sentimiento profundo
a base de síntes
discreta e irrepetible"
Constantin Brankusi

Fue un artista fundamental de la escultura moderna y un pionero de la abstracción. Fue conocido internacionalmente a raíz de su participación en la exposición internacional de arte moderno del Armory Show, en 1913, en Nueva York. A lo largo de su vida trabajó pocos temas (animales, cabezas, figura humana) y nunca abandonó la conexión con la realidad porque su búsqueda se centró en encontrar la esencia de la forma. No perteneció a ningún movimiento artístico organizado, aunque fue muy admirado por los dadaístas (entre ellos Tristan Tzara y Francis Picabia) e influenció a muchas generaciones de escultores posteriores.
En 1928 Brancusi viajó a Estados Unidos con una de sus esculturas "Ave en el espacio" para exponerla y los agentes aduaneros querían cobrarle impuestos de ingreso porque no consideraban su obra como "arte" (que se consideraba libre de impuestos). El "escándalo Brancusi" llegó a la corte de justicia, donde finalmente se declaró oficialmente que su "Ave en el espacio" era una obra de arte. Gracias a ello el escultor se libró de pagar impuestos; pero, más importante, abrió el espacio de aceptación del arte abstracto.

Este escultor rumano-francés, quiso producir goce y tranquilidad en el espectador que observara sus obras y, al mismo tiempo, cargarlas de misterio y sacralidad. Quiso que sus formas escultóricas tocaran el espíritu de quienes las veían. Aconsejaba: "Miren las esculturas hasta que las vean. Aquellos más cercanos a Dios las han visto".
Respecto de los materiales de los que están hechas sus esculturas, para Brancusi fue muy importante enfatizar la naturaleza, las cualidades y las posibilidades de los materiales. Pulió el mármol y el bronce que usó en sus obras hasta la perfección y luego las colocó sobre pedestales burdos, en piedra, madera o mármol. Con ello produjo simultáneamente sensaciones y percepciones contrastantes, suavidad y rugosidad, superficies etéreas luminosas y masas terrenales y sólidas. En las obras de Brancusi el bronce pulido se convierte en un espejo que refleja el espacio que lo rodea, con lo cual se logra una interacción entre la obra y su espacio.

Selección de obras:

FRANCESCA WOODMAN

A veces es dificil encontrar las palabras adecuadas para describir ciertas obras. Sólo se precisa mirar las imágenes para entender y compartir la sensación de que no hay nada que decir. Estas obras exigen un gran esfuerzo para evaluarlas como fotografías, imágenes que parecen ensayos, como es el caso del acto de la práctica en "Preparación para ser un ángel"
Las fotografías que tomó Francesca Woodman entre 1975 y 1981 pertenecen a esta categoría. Ellas nos producen el mismo tipo de confusión que es tan común cuando hablamos de amor: la ambigüedad sólo aumenta con la fuerza de los sentimientos involucrados. En estas imágenes la ambigüedad es la reina soberana, fruto de la relación entre el artista y su mundo interior con su curiosidad por la realidad.
La influencia del surrealismo debe ser considerada para comprender la interpretación que la artista hace del cuerpo femenino. Ello representa una ruptura con los modelos tradicionales de representación. Pero incluso en este caso, sería arriesgado buscar influencias que, a largo plazo, podrían no tener mucho sentido. Si el surrealismo sublimada la posibilidad de eventos, las fotografías de Woodman parecen ser un complejo de combinaciones, un espacio para la transición, de cambio, pero su trabajo tiene poco o nada que ver con la idea de la improvisación
Las fotos de Woodman representa una ruptura con los modelos tradicionales de representación. Incluso en este caso, sería arriesgado buscar influencias que, a largo plazo, podrían no tener mucho sentido. Si el surrealismo sublima la posibilidad de eventos, las fotografías de Woodman parecen ser un complejo de combinaciones, un espacio para la transición, el cambio. Pero su trabajo tiene poco o nada que ver con la idea de la improvisación.

Francesca Woodman es una fotógrafa que nació en una familia de artistas. Nació en 1958 en Denver, Colorado. Su interés por la fotografía apareció a una edad muy temprana, ya que a los 13 años estaba empezando con sus primeros trabajos. Rápidamente adoptó el trabajo en blanco y negro, escogiendo un formato de 21/4 pulgadas. Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Provedence, y fue aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Durante ese periodo muchas de sus fotografías la presentan a ella misma como la modelo, y debido al esquema impuesto por parte de la escuela para vivir en una situación precaria, son realizadas en cuartos vacíos o con un mínimo de muebles.

Selección de obras

MIQUEL NAVARRO

“Pertenezco a una generación que no tuvo
muchas oportunidades de poseer juguetes.
Recurríamos a cualquier trasto para

construirnos el juguete apetecido. Aquella precariedad estimuló nuestro sentido inventivo. Fue el germen de un espíritu creativo“
Miquel Navarro

Es sin duda es uno de los escultores españoles de mayor proyección internacional. Los fondos del IVAM de más de quinientas obras de este artista pertenecientes a cada uno de los periodos de su carrera convierten a este museo en el centro de referencia indiscutible para el estudio de la obra de este autor.
Pintor, escultor y grabador español. A mediados de los sesenta se dedicó a la pintura y al dibujo, y a principios de la década de los setenta se inició en la escultura. Su consagración como artista la logró en los ochenta. En los años siguientes recibió varios premios de importancia en su país.
Es considerado a nivel internacional como uno de los escultores contemporáneos más personales. Nació en Mislata, Valencia, en el año 1945. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de su ciudad natal. Comenzó su actividad, a mediados de los años sesenta, dedicándose a la pintura y al dibujo dentro del expresionismo. A partir de 1972 se inició en la escultura, la que concibe desde un punto de vista constructivista, ya que construye ciudades mediante el cubo, el rectángulo y la esfera, realizadas en cerámica, madera, mármol, plomo, yeso y zinc. La primera ciudad la realizó en 1973. En esa misma época, se dedicó al diseño industrial aplicado a la cerámica. Una de las obras que más lo representan es “Ciudad muralla” (1995-2000), la cual ha sido adquirida para la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao.

Selección de obras

Su obra 'Sota la lluna' (1987) se desliza en su metálica horizontalidad por el centro de la sala sirviendo de pórtico a la instalación que se puede visualizar en la sala final de la monumental 'Fluido en la urbe' (2003), una vasta ciudad de hierro colado y oxidado que cierra esta exposición.
El IVAM le dedicó al artista en 1990 una exposición en la que se presentaron sus ciudades y exhibió en su explanada la instalación de su monumental 'Minerva Paranoica', posteriormente adquirida por el museo